上一篇写了20位顶级绘本大师大盘点（上），这次继续盘点一下绘本大师。
近些年来，随着儿童心理等学科的发展，以及大人们对孩子的重视不断增加，越来越多的人知道绘本，选择用绘本开启孩子阅读的世界。其中，绘本大师的作品，是家长们最乐意选择的绘本。这些大师们，把他们的人生经验、生命感悟和对孩子的珍重与爱，都融汇在了一本本的作品中。他们的每一部作品，都值得孩子们阅读。
安东尼·布朗
安东尼·布朗，英国著名的绘本作家、插画家，其作品荣获多种奖项，两次格林纳威奖、德国绘本奖、安徒生奖等等。
到目前为止，安东尼·布朗已经出版了50多部作品，翻译为二十多种文字，风靡全球。
谁不熟悉他作品中的大猩猩形象呢？
安东尼·布朗生于1946年9月，他的父母经营着一家酒吧，他与哥哥就在那里长大。
童年的时光，他基本上是与哥哥一起度过的，他们一同运动、学习、画画。他的父亲热爱画画，甚至曾在学校里教过绘画课，他会花很多时间陪伴两个孩子作画。
安东尼·布朗从小就想成为一名画家——不过不是给孩子画绘本的那种。
长大之后，他去了艺术学院学习平面设计，在这里，他掌握了色彩的运用，也接触并爱上了超现实主义，这些都对他日后的创作产生了深刻的影响。
然而布朗并不喜欢平面设计，他觉得这不是真正的画画。在毕业后，他从事过不少工作，画技也日渐成熟，但对日常的工作，也渐渐产生了厌烦。
终于，在1976年，安东尼·布朗的而立之年，他创作了第一本童书：《穿越魔镜》。
这是一部让很多人看得一头雾水的作品，作品采用了超现实主义画家玛格丽特的画风，创作了一个颠倒的世界：
跨过魔镜，你来到的世界是颠倒的，老鼠追着猫，狗牵着人散步，唱诗班的孩子从天而降。
然而，这部作品并不受好评，评论者认为这根本不是给孩子看的书，而是给大人的。但布朗认为所有的孩子都天生是超现实主义者，书中呈现了他们看世界的方式。
虽然收到了这样的批评，但安东尼·布朗对超现实的爱不会因此而改变，在他的作品中，你总是能找到超现实主义的影子。
哪怕是在让他声名鹊起、获奖无数的绘本《大猩猩》中也不例外。
这部绘本是他自己最喜爱的作品之一，他第一次在其中体会到了创作绘本的秘诀：文字和图像的又独立又交互的作用。
在《大猩猩》中，我们能够发现画面中蕴藏着无数的细节，这些细节帮助文字，补充完整了整个故事。
不过，阅读过这本书的你，或许会对其中冷漠的父亲印象深刻，毕竟很少有绘本在描绘父亲上，持有这样的态度。
事实上，这不是安东尼·布朗第一次在绘本中创作“消极的父亲形象”。在他十七岁那年，他的父亲突发心脏病去世，给了年少的布朗沉重的打击，此后，他作品中的父亲，总是出现“缺席、冷漠的父亲角色”。
这个情况，直到近些年才有所转变，所以才有了我们如今看到的，温暖得像太阳一样的《我爸爸》。
这本绘本，应该不需要再介绍了吧？
除了他，安东尼·布朗笔下最最有名的角色，应该是黑猩猩“威利”，这也是最接近布朗自己形象的角色。
与哥哥相比，安东尼·布朗的体型不算高大，说话声音也不显得洪亮，成长过程中，他一直都生活在哥哥的阴影下。
黑猩猩威利，就是一个有些瘦弱、善良、胆怯、爱做梦的孩子。也是我们身边最常见到的孩子。
威利的角色，让不少的孩子有着深深的共鸣，也是布朗笔下最受欢迎的角色。他曾收到过上千封小读者的来信，他们都觉得自己与威利很像。
在安东尼·布朗的作品中，你永远都会发现超现实主义在画面上时隐时现、大部分故事充满了隐喻的色彩、画面永远讲述了比文字更多的内容，以及每一本绘本的主题，都值得深思。
这，大概就是安东尼·布朗的魅力所在。
弗吉尼亚·李·伯顿
李·伯顿是创作了耳熟能详的《小房子》、《凯迪和一场很大的雪》、《生命的故事》等作品的美国绘本作家。
她出生于美国波士顿，母亲是一位艺术家和抒情诗人，父亲是一位工程师。
她的童年无忧无虑，良好的家庭教育和浓郁的艺术氛围也影响着她的成长。
在童年时期，她的父亲就喜欢给她买绘本，并且读给她听。伯顿认为，后来她对绘本的兴趣，从此处便埋下了种子。
伯顿喜欢跳舞，在中学毕业后，她不想念大学，而是选择了继续跳舞。
去舞蹈学校的路上，她需要坐很长时间的船。在船上，伯顿常常用绘画打发漫长的时间。
然而，生命充满了偶然和不确定，因为一场意外，她与舞蹈事业擦身而过。但之前在船上的素描练习，也为她谋得了一份专业速写的工作。
在工作期间，她结识了自己的丈夫，并有了孩子。
促使她开始绘本创作的，或许正是她成为母亲的经历。但她的创作经历并不顺利，她创作的第一本绘本，虽然得到了朋友们的一致好评，却惨遭13家出版商的拒绝。
郁闷的她为3岁的大儿子读自己创作的绘本，却不料还没读完，儿子就睡了过去。
这件事给伯顿留下了深刻的印象，也给了她一个教训。之后创作绘本时，伯顿都会请孩子们当听众，一遍遍读给他们听，并观察孩子的反应，对作品进行修改。
孩子们喜欢的作品，她才会选择出版。
她创作的绘本《小房子》，获得了1943年的凯迪克金奖。
她在获奖感言中说到：“在我与孩子们合作创造的过程中，学到了几样东西。首先，绝不能‘写低’了孩子们……此外，他们的思维清晰而敏锐，每一个细节，不管它多小，都必须具有本身的趣味和意义，同时还必须符合书的总体设计。”
可以发现，李·伯顿的创作，非常重视孩子——不仅仅是“关心”，而是相信孩子们的观察力、敏锐度和思维，绝不低于任何一个大人。
之后，李伯顿创作的绘本《凯迪和一场很大的雪》、《迈克·马力甘和他的蒸汽挖土机》、《生命的故事》等作品，也深受孩子们的喜爱。
莫里斯·桑达克
说起绘本的历史，桑达克是一位我们绕不过的绘本作者。他的作品深入孩子的内心，表达以往儿童作品中不曾展现过的“儿童面临的创伤”。
正如桑达克自己也曾说过：“如果我曾经做过什么，那就是让孩子表达他们真实的自己。他们无礼、暴力，但也可爱……他们同样懂得死亡、悲伤。”
促使桑达克以“孩子的创伤体验”为主题创作的，正是他惊惶的童年。
桑达克出生于1928年6月10日，美国布鲁克林。他的父母是移民美国的波兰籍犹太人，他的成长过程中，犹太亲戚死于集中营消息、童年好友意外死亡的事实，将死亡的意象早早带到他身边。
而死亡还来自桑达克自身——他从小体弱多病，多次与死神擦肩，过早地暴露在死亡之下，让桑达克的童年被死亡的阴影所笼罩。
这些童年时期因死亡引发的恐惧与不安，也伴随了桑达克的一生。
深受童年死亡阴翳困扰的桑达克，选择用绘画回应世界，抚慰自己。
他知道，孩子们的世界中充满着可怕的怪兽，而唯一的对抗方式，就是证明自己比怪兽们更强大。他的绘本《野兽国》，就讲了这样一个故事。
桑达克用浓郁的想象力，细腻的线条，勾勒了一个荒诞的世界，但这个世界却真实地映照了孩子的各种“不被看见”、“不被重视”的情绪：孤独、惊惶、恐惧、失落、挫败、愤怒、嫉妒、破坏欲……
在故事中，马克斯“出走”，远离现实世界来到野兽国，并成为了“最像野兽的那个野兽”，成了“野兽王”。
以这种方式，小男孩独自一人，用自己的力量消解了愤怒与无措，重新回到现实世界，回到餐桌旁的日常生活状态。
在1970年，他创作的《午夜厨房》出版，与《野兽国》一样，这本书同样受到了非常大的争议。
这部作品虽然被列入“1990年-1999年最受欢迎的100本书”名册中，也常常出现在美国图书协会的“禁书名单”上。
因为这部作品中，出现了一位一件衣服都没穿的（naked）男孩，这个男孩还是绘本的主角！
不得不说，这样的创作（在儿童文学上）在当时的社会还不能为大众所接受。
但这是桑达克自述创作生涯中做得最开心的绘本，创作的构想来源于童年时期，面包商的一条广告语：“你们在睡觉，我们烤面包”。
每个孩子都会好奇，夜晚的厨房会发生什么。创作这本书，算是桑达克对此的一个小小“报复”。
其后，桑达克创作了《在那遥远的地方》，这是“桑达克三部曲”中的最后一部作品。
不得不说，这也是三部曲中最难以读懂的一本绘本。它看起来是奇怪的、含混的、意义不明的。
全书356个词，桑达克却用18个月的时间，改了100多次才定稿。在画面上，桑达克甚至请了专业摄影师和模特，拍摄了一堆9岁女孩和14个月婴儿的照片作为素材。
在这本绘本中，桑达克致力于处理孩子之间复杂的感情，从另一个层面上，这本书的创作过程，也是他直面童年种种复杂情绪的过程。
这部作品被桑达克视为创作生涯中感觉最痛苦的一次创作。
除了这三本，桑达克也为其它的作品配过插图，这些插图无不充满着桑达克式的风格，他把全然的生命经验，都放在他的作品中，用作品的丰富与深邃，给予读者无尽力量。
安野光雅
安野光雅，是日本绘本界的大师，也是世界知名的绘本作家，曾获安徒生奖。虽然直到42岁，他才出版了第一本绘本，但一直以来，绘画都是他的最爱。
从小他就喜欢在各个地方涂鸦，拿着蜡笔在木板墙上画画。他5岁的时候，把爸爸买给他的水彩颜料，吃到了肚子里。
万幸，当时的他并没有中“化学溶剂”的毒，然而这件事也像是对安野光雅未来的一个预言：他注定一辈子要走上画家的道路。
安野光雅自己也说：“当时没中毒算幸运，不过我注定一辈子中了水彩的毒，非当画家不可了。”
然而，虽然喜欢画画，安野光雅的家庭却无力支持他的这一梦想，迫于经济压力的安野光雅只能自学。
当时正处二战期间，物资匮乏，连颜料都是计划供给的，为了能够画画，安野光雅只能自己研磨泥土，加上菜籽油、墨水等材料，自己制作粗劣的颜料。
尽管如此，他还是觉得，只要能画画，就是最开心的事。
但现实的窘迫并没有好转，少年时期的他如飘萍一般辗转流浪在各地打工，后又征召入伍。
但他不曾放弃过自己的梦想，退伍后，他只要一听到住处附近有前辈画家，都会立刻前往拜访。
之后，安野光雅成为了一名小学老师，他是一位创意性十足的老师，在没有课本的时期，他会自编教材，带着学生到自然中体验观察，鼓励他们天马行空的想象力。
除此之外，他也同时参与美术教科书的编辑工作，并为多部儿童文学设计装帧。
而这一切，都为他日后的绘本创作做了积累。
让安野光雅从老师转变为绘本作家，我们最最熟悉的松居直先生可谓是功不可没。
有一天，孩子们向松居直推荐安野光雅来制作一本儿童绘本，此后，安野光雅的绘本生涯正式开启。
安野光雅的作品主要可以分为三部分：数学、绘画、文学。
数学部分最有代表性的，就是他的“美丽的数学”系列：
让无数家长头疼的“数学”，在安野光雅这里，他都能通过浅显的文字、有趣的故事，把抽象理念，以孩子们能够接受的方式具体化展现。
他不单纯地教孩子数字、加减，而是让他们感受数学在生活中的样子，侧重于和孩子一起发现问题、解决问题。锻炼孩子的思维方式。
如果你不曾和孩子一起读过这系列数学绘本，那么要赶紧“补补课”啦！
说到安野光雅的“绘画”部分，最不得不说的就是他的《旅之绘本》了。
中欧、意大利、英国、美国、西班牙、丹麦、中国、日本，八本书，八个国家（地区），被安野光雅用画笔装在书中。
在绘本中，我们不仅能发现各地的美丽风景，还会发现被安野光雅巧妙融合在其中的风土人情、文学艺术等人文知识。
看安野光雅笔下的中国，是不是熟悉之余，还别有一番风情呢？
同样，安野光雅的文字功底也不可谓不深厚，他的文字有着日本文学中常见的“物哀”风格。
正如他在绘本《田野的花和小精灵》中写道的那样：
“褪去颜色的蓟草好像枯萎了，失去全盛时期花茎的剑拔弩张。在这花草寥落的晚秋，真是难得可贵的惜别之花。
我还是给褪色的花涂抹了点颜色。
这样的野花，从来没有成为舞台的主角。当它薄施粉黛之时，让人想起技艺圆熟的老演员那悲凉的美。”
当然，如果你想要更加了解安野光雅，不如去看看他的自传绘本《绘画是一个人的旅行》，相信你会对他有更深入的了解。
杨志成
这个名字对你来说，或许有些陌生，但他也是一位你不容错过的绘本作家。
年近80的杨志成是美籍华人，至今出版了80多本画册，三次获得美国图画书最高奖项“凯迪克大奖”，两次获得“国际安徒生奖”提名，是华人儿童图画书界成就最高的绘本作家。
杨志成在1931年出生于天津，40年代末去往香港读书，50年代又去了美国深造。
毕业之后，杨志成先在一家广告公司就职，从事商业设计。后来，有人建议他可以去做童书试试，这一见，就见到了大名鼎鼎的编辑厄休拉·诺德斯特罗姆。
厄休拉曾发掘过莫里斯·桑达克、E.B.怀特、谢尔·希尔弗斯坦等我们耳熟能详的儿童文学作者。
而这一次，她成为了杨志成的伯乐。
杨志成的第一本书《The Mean Mouse and Other Mean Stories》于1962年出版，他本觉得这会是他第一本，也是最后一本绘本，但它赢得了美国平面设计协会（AGIA）年度大奖，开启了他的创作生涯。
《狼婆婆》赢得了1990年的凯迪克金奖，绘本的故事是中国版的“小红帽”，没错，就是我们熟悉的狼婆婆故事。
中美两国的学习和生活经历，让他对东西方的艺术都有着深刻的理解，他的《狼婆婆》用粉彩描绘了一种悠远的水墨意境，营造出神秘东方故事的韵味，故事中小女孩的面孔也是中国风的。然而他的表达方式又充满了现代性，故事的分镜、隐喻的感觉又是西式的。
《七只瞎老鼠》的故事，同样是充满了中国传统智慧的民间故事。与我们小时候常常听的“盲人摸象”的故事十分相似，七只老鼠摸大象，每只老鼠摸出来的大象都不一样。
除了这些，杨志成还创作了很多融合了中西方文化的作品。
杨志成曾说：“我参与儿童图画书工作的动机，一方面是想要引介中国的故事——我们有太多好故事了！另一方面，以一个异乡人的身份来到美国，我也希望多理解西方的故事，好拓展我自己的眼光和表现形式。每次我投入一个异域文化故事，我都从中受益匪浅。”
这位华裔作者，如今还在为孩子们带来更多的，融合了东方和西方文化的故事。
佐佐木洋子
佐佐木洋子，是一个爱画猫的日本绘本作家。
她1952奶奶生于日本青森县，五岁随着父母来到东京，居住至今。她从小就非常喜欢画画，而且喜欢猫。直到现在，她还是和她的猫一起生活着。
从中学时候开始，她就希望未来能进入美术大学，从事和画画相关的工作。
大学毕业后，她进入索尼公司，从事电脑设计工作，起初她主要设计贺卡和文具，后来逐渐开始创作绘本。
她的绘本主要面向低幼的孩子，相信每个爸爸妈妈，都曾经给孩子买过她的《小熊宝宝绘本》系列。
这套绘本用简单的语言、富有节奏的韵律，将生活中孩子们需要学会的东西，都以潜移默化的方式放进孩子的心里。
创作这套书的时候，佐佐木洋子也已经是一个妈妈了，她以母亲和创作者的双重身份去创作，让作品不仅有着家长们期待的“教育性”，还有着来自母亲的细致观察。
圆圆的动物形象的设计，也让无数孩子对此爱不释手。
对于形象的设计和绘本创作的灵感，佐佐木洋子表示，绘本的灵感多来自于生活中的细致观察。
而动物的形象，有些是来自于生活中，有些也来自于想象——来自于小时候的自己。
你想说什么呢？